Je me trouvais, il y a quelques années de cela, assister à un débat qui réunissait Régis Debray, Karine Douplitzky, Bernard Stiegler… La question portait sur la possibilité d’échapper à la double-injonction, introductive et conclusive dans le récit interactif. Et les intervenants de rappeler que le modèle romanesque, largement repris et amplifié par le cinéma, exemplifiait la nécessité d’un début et d’une fin dans le récit.

Bouillonnant d’impatience, percevant bien que la prégnance des modèles de référence occultait l’essence même de la mutation en jeu dans les nouvelles formes d’écriture, j’intervins pour poser quelques hypothèses : Le référent formel des mondes persistants, des univers interactifs, de l’écrit en ligne à la réalité virtuelle, n’est en rien le roman. Un univers virtuel ne répond pas à la tentative maladroite d’immerger le spectateur dans le film comme le film serait une tentative pitoyable de donner de l’image et du son au roman, ou encore de la mémoire au théâtre. Pour les systèmes narratifs fondés sur la « visite » d’un concept ou d’un espace, réaliste et/ou symbolique, le référent est bien le monde dans lequel nous évoluons, qui nous précède et nous survit. Si une vie ressemble à une tranche coupée dans cet espace-temps, d’autres en parallèle se déroulent avec d’autres conséquences et une autre temporalité.
Il est probable que l’on entre dans le flux de la représentation dynamique comme dans celui du fleuve sans que le devenir-sens de ce fluide à la mémoire délibérément active ne soit entravé.

Œuvre ouverte par construction, immergé dans la vie qui le nourrit au quotidien, le blog entre dans ce cadre. Seule la lassitude ou la disparition imposent son interruption ; ce qui ne serait pas encore une conclusion. Je propose donc de théoriser la non-conclusion, comme Borges avait su inventer le Livre de sable rejoignant dans l’image le concept d’œuvre ouverte d’Umberto Ecco.
Il ne faudrait pas confondre inconclusion et « inachèvement »; c’est tout au contraire la propriété de l’achèvement en action, faute de l’être en acte. L’Inconclusion est probablement la seule réponse possible à un questionnement nécessairement ouvert sur la pertinence d’une production et d’une analyse processuelles dont l’enjeu relèverait de l’intention, en tant que notion ou qu’action. Fuyant la fin désespérément, il s’agirait, page à page, d’intenter l’impossible sans se faire arrêter.

André Rouillé en veut à Buren de redire combien le glissement du rôle du commissaire vers celui de l’artiste lui semble une usurpation de fonction. Seule l’artiste aurait la capacité d’endosser la fonction de commissaire car elle lui revient de droit. C’est dans son cÅ“ur de métier. A.R. voit là une prétention extraordinaire de l’artiste qui ne voit pas la spécificité de l’art curatorial (au moins l’anglicisme permet d’échapper à la répétition en offrant une alternative mélodique sans connotation policière, néanmoins un rien chirurgicale). Il me semble clair que les deux ont raison : Buren pour avoir perçu et dénoncé la mutation, Rouillé pour dire qu’il faut en apprécier la portée. S’il y a débat c’est qu’en fait la conciliation des deux positions suppose l’appréhension d’un phénomène qui relève de ce que l’on pourrait appeler la « mutologie » quotidienne, l’observation de la dérive des plaques dont l’étude sémiotique s’impose.

Risquons des hypothèses qui faute d’être nouvelles méritent d’être énoncées:
Causes et effets : il faudrait se demander si c’est la gangue curatoriale en pleine pulsion créatrice qui contiendrait, telle la chape de confinement du réacteur de Tchernobyl, la production artistique dans l’insignifiance; ou bien est-ce l’inconsistance de la production -dont se dégagent difficilement des tendances dignes des avant-gardes historiques- qui invite ou oblige les commissaires à chercher le sens au-delà de l’œuvre, à construire du discours sur de la matière inerte, à chercher la forme dans la glaise de la création de masse.

L’inconsistance de l’art et son atomisation donnerait à la matière artistique la plasticité qui fait les grands media.

En fait, il est simplement difficile d’admettre que parfois, quand il devient auteur d’un discours qui dépasse la somme des parties, le commissaire est un artiste comme les autres. Que son medium est l’art, qu’il soit fait sous son impulsion – et l’on constatera que le plus souvent ce type d’exposition/installation regroupe des pièces produites pour l’occasion, sur commande- soit sous sa direction ou sa bénédiction. Il agit en cela à l’image du producteur hollywoodien vis-à-vis des scénaristes, des acteurs et du réalisateur-technicien (c’est l’appellation officielle du CNC par opposition à réalisateur-auteur).
En se révoltant Buren défend la politique des auteurs, alors qu’il devrait applaudir à la naissance d’une nouvelle catégorie artistique. D’un autre côté, le commissaire-auteur devrait totalement assumer son rôle qui le ramène ou le hisse, dans la hiérarchie du pouvoir propre à la sphère artistique, au niveau des artistes.

On assiste actuellement à la valse des étiquettes qui mène le débat : récemment Sophie Calle invite Buren comme commissaire à la Biennale de Venise, et là le paradoxe ce n’est pas qu’un artiste devienne commissaire mais bien que ce soit un autre artiste qui le désigne comme tel. Peu après, risquant la confusion avec l’institution, Hans-Ulrich Obrist et Stéphanie Moisdon exposent à leur tour, à la biennale de Lyon, non des artistes mais des commissaires. Le commissaire est un medium comme les autres.
« Commissaire de commissaires » est probablement le sommet de la hiérarchie dans le questionnement sur le medium qui reprend soudain de l’actualité. Le médiateur médiatisé par son médiateur même. Délégation, distanciation, renonciation, indétermination, surdétermination, on en finira plus de gloser sur ce qui trahit plus une mutation esthétique qu’une incapacité à traiter le sujet. On imagine bien néanmoins qu’il sera difficile d’aller plus loin dans cette direction au risque de faire disparaître, à force de la faire glisser, la raison même de toute cette agitation autoréflexive : l’œuvre (n’ayons pas peur des mots).
Et l’exposition, telle le couteau sans manche auquel il manque la lame, présentera un groupe de commissaires nus errant, coupe à la main, dans un cocktail interminable d’un vernissage-exposition visité par un public de commissaires en plein casting.

Une lame de fond vient de plus loin encore: celle qui considère que le matériau de la production, artistique, télévisuelle, médiatique n’est plus totalement contrôlé par l’auteur mais activé dans une situation écrite. La confusion vient de la fusion entre catégories, artiste/œuvre, commissaire/artiste dont on ne peut que se réjouir comme de toute transgression nouvelle pour peu que le jeu soit clair.
L’expression la plus médiatique de cette évolution est fournie par la téléréalité qui nous entretient dans l’idée que les spectateurs sont des acteurs d’une nature différente, à la fois meilleurs et bien pires, à l’autonomie certes incontrôlable mais pas réellement imprévisible. Les auteurs créent du contexte, font de la programmation, définissent les règles, le cadre. Les exemples se multiplient de l’effacement orchestré des frontières entre fiction et réalité dépassant les prophéties situationnistes les plus alarmistes. La fiction est construite sur la base d’un réel en kit auquel il manquerait des pièces, la guerre est un spectacle de news aux titres 3D virevoltants, les messages frappent les tours et les esprits au vingt heures et l’audimat se compte en cadavres.

Si les medias exacerbés par l’explosion des technologies de communication ont facilité les mutations et les permutations, c’est qu’il y a une attente derrière ce glissement. Si l’artiste ne peut plus se contenter de produire un objet achevé offert à l’appréciation de l’humanité pour l’éternité, il peut exposer le sujet en situation en croyant à la dimension éclairante de la mise en scène. Ce que je nomme parfois fusion critique.

projet dumpé Exhibition Publique Art Reality Show [ARS]

L’entropie a été imaginée comme la tendance profonde de l’univers à retourner au chaos. Est-ce le Chaos de la Genèse ou celui d’avant le Big Bang ? Dans cette dernière hypothèse l’entropie est la manifestation de la pulsion naturelle de l’univers à redevenir matière indifférenciée, non organisée.

N’est-ce pas là, une fois encore, la projection d’un fantasme humain : comme si le monde devait revenir à l’individu qui le pense avant que celui-ci n’ait été capable de le penser.

Si Googol est le terme inventé par Milton Sirotta, le neveu du mathématicien Edward Kasner en quête d’un mot pour désigner 10¹⁰⁰ (qui ensuite proposa ‘’Googolplex’’, 10^googol), soit la valeur supposée contenir l’ensemble des particules de l’univers, alors Il faudrait que cette valeur retourne au stade antérieur à sa formulation, dans la bouche et l’esprit de l’enfant qui la pensé ; ramenant l’univers avant le Logos qui l’énonce, qui en formule la limite, et qui propose la perspective désespérante, qui révèle que s’il nous est difficile de penser l’infini, nous avons toujours un mot pour en recouvrir la virtualité. Sans même avoir une conception solipsiste de l’univers on peut imaginer qu’il a la taille et la limite que chaque individu peut penser et donc, que tout est dit.

Ceci est un projet de carrière d’artiste fondé sur la multiplication d’actions visant à ramener le monde à soi.

PS. On me souffle que c’est probablement là, la définition la plus actuelle de l’artiste…

Players : Norbert Wiener, Philippe Breton

L’objet et le comportement
L’hypothèse cybernétique repose sur l’idée que l’objet est susceptible de comportement.
Cette hypothèse est probablement acceptable à propos du vivant dont on peut supposer que la logique d’élaboration, d’évolution et de survie répond à une logique d’interrelations qui déterminent le louvoiement des itinéraires évolutionaires frayant leur chemin dans le brouillard des possibles.

C’est encore plus clair pour l’artefact, le résultat de l’action humaine, produit par celui qui se doit de trahir sa nature, tentant de reproduire sa logique de survie à l’échelle de sa création.
On peut imaginer que l’ensemble des créations humaines tende vers un niveau de complexité qui, au fur et à mesure que le nombre d’acteurs augmente, s’approche de la complexité humaine. Il se pourrait aussi que, dans cette aspiration digne d’un cauchemar d’éléate, le point culminant de cette tendance rejoigne de façon asymptotique les limites de l’humain.
Selon cette même hypothèse, L’univers, l’homme inclus, témoigne dans ses limites des limites du créateur.
Le projet:
Faire l’inventaire des limites du monde qui nous entoure et nous contient c’est définir les limites de Dieu, supposé créateur de ce monde.
Dans l’hypothèse probable de l’absence de créateur identifiable, c’est l’ensemble des limites qui constitue la définition de cette entité par défaut.
La tâche est d’envergure. Le projet est d’accumuler les indices des limites de l’action humaine sur un serveur conséquent; peut être par analyse systématique, sur la toile, d’un champ sémantique qui englobe l’ensemble des mots caractérisant l’accomplissement, la limite, la réussite, l’obstacle et de tracer la ligne qui relie dans le sens et le langage les domaines associés.
Cette ligne est probablement le seul contour possible de Dieu, défini comme il se doit, à l’image de l’Homme.

Qu’est ce qui serait plus parfait qu’un univers sans humain?
Qu’est-ce qui serait plus vrai qu’un monde sans conscience ?
Qu’est-ce qui serait plus inoubliable que l’oubli total et définitif du passage accidentel et anecdotique de l’humanité sur un caillou perdu dans l’espace ?

Ce trou d’OzOne Zero, qui, bornant la limite perceptible d’un horizon qu’il serait urgent de repousser, pour garder l’espoir d’un infini devenir, d’une perfection différée, d’une aspiration nécessaire à combler d’autres vides, réaliser d’autres complétudes, se répéter « demain on vit gratis », repasser le temps pour qu’il soit plus lisse. Ce trou d’OzOne Zero donc, il faut le combler. Il faut en finir avec les doutes, il faut traquer le mal visible, c’est Bill Gates bien sûr, et les multinationales qui – non, elles ne sont pas les victimes de nos fantasmes – trahissent nos espoirs de certitudes en nous permettant d’en créer d’autres plus réconfortantes encore : Nous ne sommes pas responsables, des réality shows même si nous les regardons pour mieux comprendre pourquoi, nous ne sommes pas responsables du terrorisme même si nous nous complaisons du spectacle qu’il nous procure et des inégalités qui le nourrissent, nous ne somme pas responsables des disparités sociales, puisque nous avons donné aux quêteurs, nous ne sommes pas responsables de l’oubli puisque tout est bien rangé dans nos bibliothèques, nous ne sommes pas responsable du voyeurisme et de la surveillance généralisée puisque nous refusons presque de savoir et parfois de voir.
La pollution numérique est inhumaine, la preuve : je ne sais pas comment ça marche. Elle change les atomes en pixels et nuit à l’ocytocine.

Alors il faudrait boucher le trou d’OzOne Zero et créer une zone franche, où comme l’on préserve certaines espèces animales de leurs prédateurs, on préserverait un territoire des excès d’humanité. Là, l’électricité, le wifi, la radio, la télévision, la cafetière électrique, la machine à traire les vaches et la boite de Pétri n’auraient pas droit de cité. Même le regard direct ou médiatisé des humains ne pourrait pas l’atteindre de peur que l’observateur ne dénature plus avant l’objet observé.
Et on attendrait : les débordements, l’observable exogène, les contaminations de pureté préservée (en conserve), jusqu’à l’oubli du lieu, le refus d’en constituer jusqu’à la mémoire humaine qui pourrait être une forme de contamination rétrospective.
Ce territoire nOOne Zero pourrait s’agrandir progressivement selon un processus automatique qui ignorerait des décisions humaines qui pourraient contredire la rigueur et la perfection du dispositif. Enfin, quelque part, il faudra tenter de préserver un échantillon ou deux, de cette espèce vouée à la disparition, comme tous les grands prédateurs, surtout ceux à la griffe binaire insidieusement rétractile, qui se sont laissé pousser la pensée au point qu’elle masque la vue. Ou alors c’est l’inverse. La meilleure manière de répondre est souvent d’effacer la question.

If the Art is made of the shape given to the concept, then we should say:

« Art is everything that is not in The Dump« .

Project:
One’s artist career devoted to realising works from concepts grabbed in The Dump.

Le Jeu devient intéressant lorsqu’il crée lui-même ses mutations et ses dévoiements. Il serait à son égard aussi pertinent de parler de « jeu intelligent » que de parler en d’autres lieux d’ »intelligence artificielle ».

Je proposais il y a de cela quelques jours d’écrire un Traité d’art moyen.

Depuis ce matin les messages affluent en commentaire du Dump avec des titres rédigés de manière identique, des fragments d’aphorismes et autres citations passe-partout qui ont la pertinence de l’horoscope aux yeux du lecteur complaisant.

Ces messages s’enchainent donc, probablement générés automatiquement. Il s’agit là d’un projet brillant ! Produire de la pensée standard, je croyais en avoir l’exclusivité, mais une fois de plus l’exploration du Dump me prouve que quoique l’on ait pensé, un autre, ailleurs l’aura pensé avant nous, et en aura probablement fait meilleur usage. Ou alors c’est que ça n’en valait pas la peine.

Après le générateur automatique de blog.

Après le générateur automatique de commentaires.

Je propose la rédaction d’un Traité académique de pensée générale. Où tout sera dans tout et réciproquement. Compatible avec toutes les situations et tous les interlocuteurs, parlant anglais, ou français…

Je vous invite en guise d’illustration à lire les commentaires du Traité d’Art Moyen.

En contourne les aspérités du relief l’eau finit par redessiner le paysage.

Le projet :

Le projet consiste à chercher au delà de la rupture (cf. les réflexions de Marc Partouche sur la rupture en art) ce qui constitue un glissement significatif du reconnu vers le reconnaissable. Ensemble de petites victoires sur l’immobilisme sans que pour autant le système économico-esthétique ne soit ébranlé. Comme la partie variable d’un discours politique qui fait qu’il reste acceptable pour le plus grand nombre, ces mutations sont probablement quantifiables. Les écoles d’art l’ont compris qui privilégient dans leur enseignement l’appréhension de ce qui « fait » art contemporain (sic) pour rendre le propos intelligible par les esprits à assimilation lente, plus que la recherche d’une construction personnelle « hors normes ». (cf aussi à ce propos le décryptage « très décapant » de la notion de création « très émergente » par André Rouillé dans paris-art.com).
Mettre au point un protocole rigoureux qui permettrait d’identifier les mutations formelles, puis ne donner à voir ou à entendre que celles-ci débarrassées de leurs constructions académiques encombrantes comme des marchepieds qui colleraient aux semelles.

I got to find something better to do!

Quoique je fasse, je peux me poser la question de ce que je pourrais faire de mieux.
Il faudrait que je sois clair sur le système de valeurs que j’accepterais pour évaluer le mieux qu’il y aurait dans mes choix.
Pour faire mieux il faut déjà faire bien.
Est-ce que bien faire fait partie de mes intentions?
Est-ce que faire est un impératif?
Est-ce que faire bien c’est faire le bien?
Est-ce que le qualitatif technique implique le qualitatif éthique? Et réciproquement?
Est-ce que le qualitatif esthétique importe? À qui? Pourquoi?
Est-ce que l’esthétiquement bien est techniquement bien ou éthiquement bien?
Les bien sont-il compatibles entre eux?
Sont-ils compatibles avec les biens?
Est-ce que se poser la question est une nécessité ?
Est-ce que se poser des questions est une nécessité?
Pourquoi ne pas prendre le monde comme un ensemble de réponses ?

Au lieu de penser un nouveau projet est-ce que je ne devrais pas faire quelque chose pour sauver le monde?
Est-ce qu’un nouveau projet peut sauver le monde ?
Le monde est-il en perdition?
Le monde est-il sauvable?
Faut-il sauver le monde?
L’humanité est-elle le monde?
Le monde ne se porterait-il pas mieux sans l’humanité?
Faut-il sauver l’humanité?

Suis-je la moins utile des parties d’un ensemble le moins utile des ensembles mais qui serait le seul à penser son inutilité.

Nouveau projet :

Off art est à l’art ce qu’Off Screen est à la photographie. Un glissement dans le positionnement qui consisterait à penser, avant de mettre en Å“uvre toute intention de création, de faire quelque chose que l’on accepterait comme moins dérisoire, moins futile, moins inutile, moins vaniteux, moins égocentrique, moins hypocrite, moins coloré, moins abscons, moins démagogique, moins populaire, moins élitiste, moins voyant, moins bruyant, moins éphémère, moins inoubliable…
Tous les moins se conjugueraient pour échapper au contenu convenu et calibré. Échapper à l’échappatoire aussi.

Mais additionner les moins, est-ce que ça construit une illusion plus solide et plus durable pour garder l’envie de faire, durer?

Off Art, est une esquive assumée dont la valeur ne peut pas dépendre de l’objet évité mais de la surenchère dans l’exigence, le référent de cette exigeance étant…