Paris, métro ligne 1. La station Franklin Roosevelt est en travaux sous les Champs Élysées. Considérée par beaucoup, lors de sa rénovation dans les années cinquante, comme la plus belle station du monde, elle était avec le temps devenue le témoignage le plus authentique de la capacité de la modernité à atteindre la désuétude la plus accomplie.

En 1999, avec Jean Nouvel, nous avions gagné le concours architectural pour sa renaissance. A l’époque nous avons conçu la Station Bleue. La station entière transformée en un monochrome IKB. Tout était bleu, y compris le carrelage « métro », le sol, le mobilier mais aussi la lumière éclairant la voie, le cœur mal-aimé des stations.

Le projet opérait une double alchimie :
Il donnait la vie à la station convertissant – dans l’esprit de ce que j’appelais ensuite le design comportemental – un lieu de vie statique dans son architecture en entité vivante animée par sa fonction. Tout, dans le son, l’image et la lumière, donnait à vivre le temps réduit de notre présence comme un moment rare. En refusant de chercher à s’effacer devant l’usager, défiant ainsi la lassitude née de l’inexorable répétition des fonctions quotidiennes, le projet magnifiait ces dernières. Attente, arrivée, départ… En image, en lumière ou en son le volume animé de la station reprenait vie à chaque apparition de la rame.

Une autre mutation inattendue : la station devenait un lieu de culture avec ses commissaires, désignés annuellement par un comité éditorial, qui invitaient les artistes à orienter la manière d’être de la station, la symbolique des rames, les irruptions synchrones de l’image qui leur léchait les flancs sur toute la longueur des quais.

On nous avait bien dit que supprimer l’affichage publicitaire et surtout (!) la boutique de vêtements Pekka qui occupait petitement le centre du quai pourrait poser un problème pour l’équilibre économique au projet. On nous disait aussi que ces espaces publics, dédiés à l’attente et au transit, sont en quête d’une nouvelle légitimité qui sublimerait leur fonction initiale. Pour mémoire : Le métro symbolisait dans l’imaginaire des années 60 le commencement du cycle de l’aliénation (métro-boulot-dodo). Aujourd’hui, la consommation en sous sol du prêt à porter bas de gamme légitimerait, au denier prés, la tectonique des strates sociales laissant le luxe se déployer allègrement à l’air libre.

L’histoire voulut que ce concept qui fête bientôt ses dix ans ne voie pas le jour. C’est ce qui me donne l’opportunité de livrer un projet, utopique par construction, à la Décharge qu’il n’aurait jamais su quitter.

Je retrouve cette image prise durant l’exposition Air de Paris. Beaucoup furent troublés par cette intrusion franche et inespérée de l’extérieur dans l’espace préservé de l’exposition. Où l’on vérifie, et on se plait à croire, qu’il était dans l’intention des auteurs de confronter espace de vie et espace de monstration. L’effet produit interroge tout autant sur la force des propos artistiques comparée à l’évidente puissance définitive du réel qui s’obstine à faire Å“uvre malgré lui, pour peu que le cadre de la fenêtre nous conduise à chercher le cartel là où l’on ne devrait trouver que la lumière. Cette bouffée d’air de Paris, dans la tiédeur confinée du monde de l’art est réveillée (révélée), par l’entremise d’une silhouette coupant net le champ pour une mise en abîme radicale de notre propre regard. Et c’est le vide de la ville en bas qui nous aspire quand la structure tubulaire de l’architecture semble garder le corps du délit, dedans, et le sujet dehors.

Quand Nouvel fend le Quai Branly pour révéler la Tour Eiffel, il cadre le cliché, quand J. Turrel ouvre le toit sur le ciel (Skyspaces), il laisse le monochrome dynamique se trahir par ses faiblesses sous forme de condensation nuageuse, quand P. Greenaway cadre la ville (Stairs, Genève 1994) il fait de la photographie sans support, quand la ville se dévoile à l’occasion d’une faille scénographique, elle répond. C’est le réel qui prend sa revanche sur l’exposition. Il faudrait travailler un dispositif qui, pour paraphraser Filliou, n’aurait d’autre fonction, par l’occultation plus que par ses ouvertures, que, de rendre la ville plus belle que l’art.

player: Evelin Gerda Lindner

A la fin des années 90, Evelin Gerda Lindner, fondatrice du réseau Human Dignity and Humiliation Studies de Columbia University New York, venait me voir pour me demander de concevoir un dispositif pour permettre le dialogue entre personnes de communautés antagonistes. Il s’agissait de permettre l’échange, progressivement de réduire la tension entres communautés et d’amener les deux interlocuteurs à se parler plus directement. Elle avait été émue du potentiel du Tunnel sous l’Atlantique et imaginait que l’on pourrait concevoir un dispositif qui permettrait le rapprochement entre communautés rivales. J’ai immédiatement proposé cette forme. On entre des deux côtés sans se croiser. Au bout d’un premier couloir : le dispositif de dialogue. Après un temps, prenant le chemin du retour, les interlocuteurs peuvent choisir entre quitter le lieu ou accéder à la partie centrale qui permet de se rencontrer de manière assez confortable et de parler enfin en direct. La symétrie du dispositif équilibre la rencontre. A tout moment la bifurcation est possible. C’était là une situation très concrète renvoyant aux situations que je développais dans les dispositifs interactifs mais avec un niveau d’implication sur le réel qui fait la valeur du projet. Celui-ci n’a pas été réalisé sans pour autant que son actualité et sa pertinence en soient amoindries.

HDHS plus sur la Maison du dialogue

20 Août 2008
Evelin souhaite que je précise le caractère international du réseau regroupant, outre Columbia, l’université d’Oslo en Norvège et la Maison des Sciences de l’Homme de Paris.

Players, Oleksandra Yaromova, Jean-Jacques Gay, Eesi, TAP Poitiers

Un projet pour la façade translucide et vidéo de la Scène Nationale de Poitiers. Le projet n’a pas été retenu mais il me plait que ce soit un ami dont le travail animera la façade. Dans le droit fil de Watch Out ! Vedute convertit le regard des passants en un Å“il géant découvrant le monde alentour. Le Théâtre devient la scène sur laquelle le monde se réfléchit, tout d’abord flou, en attente de l’observateur. L’image du monde bouge alors sur la peau de l’édifice à la manière des jeux d’ombre de la caverne platonicienne. Parfois un visage s’approche de la « Porte », boîte percée d’un trou qui invite le regard. C’est lui que l’on voit alors sur la façade jusqu’à ce que l’œil intrigué contemple un temps le monde avant de se lasser.

Le lieu de spectacle devient l’origine d’où l’on perçoit le spectacle de la vraie vie. Last Life.

Le titre Vedute reparait sans que le lien entre les projets soit totalement évident, quoique…

Paris est une ville qui semble croire à un déterminisme calendaire qui affecterait l’histoire de l’art et plus encore l’architecture de sa conservation. Orsay: un musée du XIXème siècle, le Centre Pompidou: un Musée du XXème siècle consacré au modernisme et au postmodernisme. On comprend alors que ce découpage cristallise une vision segmentée de l’histoire de l’art qui trancherait par siècle.
L’évidence s’impose de la nécessité d’un lieu dédié à la monstration et la conservation du post-contemporain que par facilité nous appellerons le Musée du XXIème siècle. Entre temps la question de la conservation de la création faisant appel aux nouveaux médias, réputée dématérialisée mais profondément techno-dépendante, résolument résistante à la réification -et donc aux transactions financières – mais dont on sait, et ce projet tente d’anticiper le phénomène, qu’à l’image de celle qui l’a précédée, elle sera absorbée par l’histoire de l’art qui ne refuse aucun objet quelle qu’en soit la forme, la cause ou l’effet pour peu qu’il fasse école. Ce n’est plus à démontrer.

Communication concerning an object has never previously been a key to read the project. The poster announcing new scenography of the Arc de Triomphe should allow for a rapid interpretation of intention: to decipher a symbol, to change the symbolism from the military point of view to the potential for peace. This was the objective of a permanent installation: to treat the monument as a subject, while researching its monumentality, references and origin, as well as its function as a solely symbolic monument: a national monument presenting a nation but through the filter of a war. Then to confront the object with the reality of a specific period of time: our period, with its preference for such values as peace, which has been the monument’s ecosystem for over sixty years.

When I learned that it meant covering La Concorde with posters, the opportunity was too great to miss and I suggested, stepping out of my role concerning communication, two posters which I imagined would hang opposite each other and be divided by the rails on two opposite sides of the Concorde station, line no. 1. Of course history decided differently; the English word “WAR”, I was told, created a problem. But the subject has remained and still persecutes the monument and its communication, a witness of doubt which was not intended, but which shows in a mission of the national monument: “between war and peace”.

Pondering over the value and symbolic appropriateness of a monument built during a historical period especially filled with wars, we start to measure the relation between the mass and the symbol – of a great triumph. It is essential not to cover historical evidence and make history more readable; it is also necessary to make people understand that changes incline the planet (tourists from the whole world much more than the local inhabitants) to thump out of joy for victorious army returns which fortunately became the ultimate tribute to the anonymous victims, as it was earlier understood that there is no triumph over war: the war has to be survived.

The objective here is to create an Arch of Celebration far away from a gate, without a wall and without a wing door, which has to be passed without lifting one’s head. The Arch of Celebration will not be an obstacle to view; it is going to be the opposite of a landmark which proudly allows for recognition of city crossings, rather an emptiness, a concave monument, maybe just for paying tribute to the anonymous and unintentionally absent. They are not the ones who left to defend the revolution in 1792 following Rude’s La Marseillaise. They are not less dead, by an accident or an incident, and they are going to remain the anonymous and mute majority of past, present and future wars until the end.
This place calls for celebration because each moment when we celebrate is a moment when we do not conduct wars.

“CONSERVATISM is for CONSERVATORS
the same as AUTISM is for AUTHORS.”

As it is highly improbable that it would be carried out, in the same way as this gesture would make an impact on those concerned, this small project is going to finish in the same place where it started – on this page.

The latest experiences from Fontevraud Abbey, where I was busy with multimedia routes as well as the Arc de Triomphe, and where together with Christophe Girault I installed a permanent installation, let me discover the power of conservation forces where intelligence, knowledge and abilities focus on denying the future and preserving stone against any presence recognized as harmful.

The stone dominates functionality, the letter dominates the spirit, the matter spirituality; thus we prefer to clean than to restore to life, to freeze than to adapt, to renew than to construct without any thoughts that it is not necessary to have a straightforward antagonism (past/future) but completion and confusion of the material – do we have to preserve its intellectual dynamic from a given period of time or its carved stone?

This issue does not concern preserving traces of the great past but preserving it taking into consideration that it was its dynamic, that is a property of this future which evolved to create fragments of glory which we are unjustly proud of.

Thus Paris became smeared with its history and it mistakes preservation with capitalization, forgetting to build that which would be its future heritage, and putting all its energy into the endless quest for the past which keeps its value until the present time. Stones are preserved in the same way as the relics of saints – fragments of rotting bones which as its seems still take something from the values of human beings who try to keep them alive. When we try to stop time, assuming that living means destroying, we are shamelessly trying – but not without fury – to freeze a baby together with the bathwater.

The Far East shows us what we mostly criticize, because in China and Japan to destroy a temple in order to rebuild it is a preservation of its form and function, apart from the entropy appropriate for construction materials which are temporary substitutes for a worldly construction.
The project is a proposal of coats of arms for French heritage institutions. The picture of Saint George felling a dragon is inscribed with the motto:
“No importance if the beast die
We shall bleach its bones.”

Let us quote in passing a fragment of a great book by Bruno Latour and Emilie Hermant :
“ … is it not strange that all these eager revolutionaries, these crazy architects who wanted to raze Paris to make a car park, had utopian dreams in one of the oldest, most crowded and most winding cities out of all millennial cities? Today, however, the scales have turned to the other extreme. After the times when Paris was almost deprived of its history, now there is a whole army of historians, conservation officers, museum workers and cemetery guardians who want to deprive it of its future.”